Alan Lomax

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El folclorista Alan Lomax (1915-2002) dedicó su carrera a documentar las tradiciones de música popular de todo el mundo. Ahora miles de canciones y las entrevistas que grabó están disponibles gratuitamente en internet, muchos de ellos por primera vez.

Lomax grabó una cantidad asombrosa de música popular de todos los rincones del planeta. Trabajó desde 1930 hasta la década de los 90, y viajó desde el sur profundo de las montañas de Virginia Occidental a Europa, el Caribe y Asia.

Se trata del mayor archivo planetario de música popular, clasificado exhaustivamente por estilos, áreas geográficas, tipologías y fechas. Una joya sin parangón. El archivo recoge también varias muestras de música popular española de Andalucía, Aragón, Asturias, Cantabria, Castilla y León, Castilla-La Mancha, Cataluña, Extremadura, Galicia, Islas Baleares, Madrid, Murcia, País Vasco, Valencia y otros lugares no especificados en la clasificación.

Don Fleming, director ejecutivo de la Asociación Cultural Equity, la organización sin ánimo de lucro fundada Lomax en Nueva York en los años 80 y un pequeño equipo formado en su mayoría por voluntarios han digitalizado unas 17.000 grabaciones.

«Por primera vez, todo lo que tenemos digitalizado está en nuestro sitio web», ha declarado Fleming a NPR. «Cada toma, las falsas, entrevistas, música»… «Alan se habría emocionado», asegura Anna Lomax Wood, hija de Alan y presidenta de la Asociación.

A lo largo de su carrera, Lomax utilizaba la última tecnología para grabar la música popular en el campo y luego compartirlo. Lomax escribió y organizó programas de radio y televisión, y pasó los últimos 20 años de su carrera experimentando con ordenadores para crear lo que llamaba la máquina de discos global. Tenía grandes planes para el proyecto. En una entrevista de 1991 con la CBS, dijo, «El ordenador moderno posibilita preservar y revitalizar toda la riqueza cultural de la humanidad.». Lomax se vio obligado a dejar de trabajar cuando su salud empeoró en los años 90, y dejó la máquina de discos global sin terminar. El archivo palía con creces la detención de aquel impresionante proyecto.

AQUI EL ARCHIVO

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Lisa Simone

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Londres.

Rara vez es fácil, si uno es producto de un padre voluble, establecer su propia identidad en la vida, aun si hasta cierto punto uno es una rama del viejo árbol. Lisa Simone lo sabe muy bien. Ha vivido con su madre, Nina Simone, la mayor parte de sus 53 años.

Prefiero llamarla su sombra, dice su hija, sonriendo con serenidad.

Sin embargo, la sombra amenaza continuamente con consumirla. Una nueva cinta biográfica sobre su madre, titulada Nina, que se estrena el mes próximo, ha recibido críticas porque está llena de errores de hecho. El proyecto fue fallido desde el principio, declaró Lisa Simone recientemente a la revista Time. Está claro que no es la verdad sobre la vida de mi madre. No es así como uno quiere que se recuerde a sus seres queridos.

Como su madre, Lisa es cantante de jazz y blues, y lo ha sido durante toda su edad adulta. Pero fue apenas en 2014 cuando presentó su primer álbum, All Is Well, Now comes My World (Todo está bien, ahora viene mi mundo).

Así es la vida

Si por mí hubiera sido, dice, usted y yo hubiéramos tenido esta conversación hace mucho tiempo, o ya estaría en mi décimo álbum. Pero la vida es la vida, ¿verdad?

Nos reunimos en Boisdale, un lugar de jazz en el corazón de Canary Wharf, en Londres. Está aquí para una presentación de tres noches, y ha viajado durante la noche desde su hogar, en el sur de Francia. Mudarse de Estados Unidos a Francia hace dos años fue necesario, dice.

Tuve una epifanía una noche, recuerda. Llevaba tiempo tratando de consolidar una carrera musical en Estados Unidos, pero le dijeron que era demasiado vieja. Entonces vino a Europa, presentó shows para públicos receptivos en París, y luego buscó la vieja casa de su madre en un pequeño poblado a las afueras de Marsella. La sentí como mi hogar, y supe que tenía que quedarme, afirma.

Simone tiene la expresión radiante de quien ha sido empujado al borde antes de lograr retroceder sujetándose con uñas y dientes.

¿Que si he estado enojada en mi tiempo?, inquiere de pronto. ¿Ha visto la película sobre mi madre?

Se refiere a What Happened, Miss Simone? (¿Qué pasó, señorita Simone?), cautivador documental que ella coprodujo acerca de la turbulenta vida de su madre: el abusivo matrimonio con el ex policía Andrew Stroud; su participación cada vez más vehemente en el movimiento de derechos civiles, y su depresión y trastorno bipolar, que durante mucho tiempo no le fueron diagnosticados. Era una mujer difícil, tan furiosa con el mundo que necesitaba alguien con quien desquitarse. Y a menudo ese alguien era Lisa.

Claro que he estado enojada, admite Lisa ahora. Soy la hija de Nina Simone; provengo de ella. Por eso he tenido tanto trabajo que hacer.

Al explicar cómo su nuevo álbum le trajo la satisfacción personal que tanto necesitaba, expresa: “Somos todos uno en el mundo, y tenemos tantas cosas profundas que nos unen, mucho más que las que nos dividen. Por eso he escrito algunas canciones sobre la experiencia humana.

Hace veintitantos años, cuando decidí que quería ganarme la vida con esto, mi madre preguntó: ¿por qué? Entonces pedí a Dios que me ayudara a inspirar amor y positivismo en otros desde el escenario, con ejemplos de mi propia vida. Tenía 28 años, y no me daba cuenta de lo que estaba diciendo.

Claridad y ruptura

Ahora, asegura, sí se da cuenta. Es importante, creo, llegar de un lugar de claridad, ¿no cree usted?

Lisa Simone nació en 1962 y, hasta la separación de sus padres, creció en Nueva York. Después de la ruptura dividió su tiempo entre su madre y su padre y asistió a una serie de internados. Quería ser abogada, pero terminó de ingeniera civil en la fuerza aérea estadunidense, prestando servicio en Estados Unidos, Corea del Sur y Alemania.

Pero el anhelo de cantar –al margen de las opiniones de su madre al respecto– nunca la dejó. A los 28 años volvió a Estados Unidos y encontró empleo, primero de cantante de respaldo y luego en musicales de Broadway. “No creo que ser ‘la hija de’ se haya interpuesto en mi camino ni tampoco creí necesitarlo para abrir puertas, porque siempre creí en mí misma. Llámelo ingenuidad o arrogancia, pero nunca imaginé que me llevaría tanto tiempo.”

Ese hecho sin duda le duele. Durante años ha practicado una meditación budista llamada las tres puertas de la liberación, y dedica mucho de su tiempo a ella. Dice que la ha ayudado a enfrentar la miríada de dificultades en su vida, entre ellas sus propios problemas como madre. Simone tiene cuatro hijos (incluso un hijastro) de entre 16 y 33 años de edad. Si bien tiene un fuerte vínculo con su hija de 16 años, las relaciones con sus otros hijos, en especial el mayor, Joe, han sido problemáticas.

Por mucho que intentara hacer diferentes elecciones con él, siempre llegamos al mismo lugar al que llegaba con mi madre, señala, frunciendo el ceño. ¿Cómo ocurrió eso? No era lo que quería. Traté de hacer elecciones, estaba consciente. Y sin embargo… Aquí estamos todavía separados, todavía con mucho dolor entre nosotros.

Recuerda que hace dos años Joe, entonces de 31, le dijo que la odiaba. Lisa estaba inmersa en la meditación en ese tiempo; la ayudó a enfrentar el exabrupto y superarlo. Uno no se enoja si no hay amor, ¿cierto?

Profundo dolor

Al parecer sigue experimentando dolor en la familia. Después de apenas un año de internado en Francia, su hija la llamó tóxico, y ella y su padre, el marido de Simone por 20 años, regresaron a Estados Unidos y la dejaron sola en la casa de su madre, con el corazón destrozado.

Y entonces, pregunto, ¿por qué simplemente no vuelve con ellos?

Su sonrisa es paciente, pero denota fastidio. Porque estoy en una etapa de mi vida en la que la ventana no permanecerá abierta para siempre, responde. “Mi hija irá pronto a la universidad, mi marido (que trabaja en negocios internacionales) viaja mucho. No quiero quedarme en casa mirándome el ombligo. Y tampoco quiero seguir enfocándome en el legado de mi madre. Quiero encontrar mi propio lugar.

Durante demasiado tiempo he tratado de navegar el lodazal del agua sucia de mi madre, si quiere verlo así. Ya no. Quiero un capítulo diferente, por favor. Ahora se trata de mí.

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Big Mama Thornton

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La voz de Big Mama Thornton era un campo de batalla. En sus canciones, rugientes pedazos del mejor blues de la escuela tejana, Big Mama chillaba, gemía, ladraba y susurraba, como queriendo sacudirse todos los estigmas que habían forjado su carácter. Desde luego, ella encarnaba unos cuantos: en los suburbios de Montgomery (Alabama), donde nació en 1926 y fue bautizada como Willie Mae, comenzó arrastrando el pecado original de ser una mujer negra. Veinte años después, cuando luchaba por abrirse paso en el mundo masculino y selvático de los clubs de rhythm’n’blues, era ya una mujer negra y lesbiana, de 180 kilos, con una creciente afición al alcohol. Poseedora de un estilo único, igual de incendiario en los fraseos calmados de los slow blues como en el repertorio que anticipaba el rock’n’roll del más alto octanaje, Big Mama fue toda una pionera, a cambio de lo cual recibió una vida artística de cuarenta años en relativa sombra.

Hasta 1920, América reservaba el mercado de la música para hombres blancos. Al comienzo de esa década irrumpen en la escena musical mujeres negras como Mamie Smith, la primera afroamericana que grabó un disco, o Ethel Waters, autora de la célebre «Am I Blue?». Por aquel entonces nacía una niña, la sexta criatura de un matrimonio formado por un pastor baptista, George W. Thornton, y una ama de casa, Mattie Haynes. Desde que apenas tenía cuatro o cinco años, Big Mama acostumbraba a cantar en el coro de la iglesia, como hacía su madre. Se desarrolló muy pronto, era alta y grandota, una mujerona, lo que en el colegio le valió el sobrenombre con el que todavía hoy se la conoce. Pronto tuvo que dejar los estudios, su madre enfermó y tuvo que hacerse cargo de ella. Sin embargo, eso no le impidió seguir con su formación musical autodidacta: a los ocho años ya sabía tocar la armónica con tan solo haber observado a su hermano mayor, Harp Thornton. En el libro Big Mama Thornton. The Life and Music, el autor, Michael Spörke, matiza este hecho: «No es que su hermano la enseñase, ella usaba las armónicas viejas que él tiraba a la basura». Más tarde aprendería a tocar la batería también por su cuenta. El volumen II de Notable Black American Women, editado por Jessie Carney Smith, recoge una declaración que prueba ese espíritu do it yourself de la artista: «Lo que canto procede de mi propia experiencia, de mis sentimientos».

Durante siete años, cantando y bailando a lo largo del sudoeste de EEUU con el grupo itinerante Hot Harlem Review, Big Mama fue construyendo su rotunda personalidad. Al principio, los promotores trataron de moldearla. Presentada engañosamente como “la nueva Bessie Smith” (la reina del blues de vodevil, que en los años 20 y 30 había anticipado el advenimiento de las divas del jazz), la rebelde Willie Mae hacía saltar por los aires cualquier intento de etiquetaje: cercana a la música ruda y agreste de Memphis Minnie, lo suyo eran más bien los blues cantados a pleno pulmón, que parecían un intento desesperado tanto de expurgar sus demonios como de exigir su espacio en un circuito musical cargado de testosterona.

El músico y productor Johnny Otis decía que nunca supo nada de la sexualidad de la cantante pero que tampoco le importaba. «Lo que haces en la cama, seas homosexual o no, no es el maldito asunto de nadie. Todo lo que puedo decir sobre ella es que era una persona buena e inteligente. Personalmente, nunca la vi con ningún hombre, pero tampoco la vi con ninguna mujer». No había afrenta de la que Thornton no supiese defenderse: «No salgo al escenario tratando de parecer guapa. Nací guapa. Simplemente salgo ahí y actúo. Salgo ahí, suelto un par de bromas, canto mi canción y a la gente le encanta. Por eso están celosos de mí, porque la gente me da el reconocimiento que ellos no tuvieron, porque soy única». Big Mama siempre mantuvo que los hombres la envidiaban porque ella tenía éxito en un negocio profundamente masculino.

En 1948, una vez que hubo tocado techo en la disciplina de los espectáculos ambulantes, Thornton voló en solitario hasta Houston, donde iniciaría su contribución al blues texano de posguerra, convirtiéndose en la única mujer que conquistaría una posición predominante en el nuevo estilo: una desgarradora música de raíces rurales, parcialmente caracterizada por el empleo de un sonido eléctrico. En este escenario, Big Mama destaca por su destreza como multiinstrumentista, algo poco frecuente en una vocalista femenina, y por figurar como autora en algunas de sus propias canciones. Sus habilidades no pasarían desapercibidas para uno de los sellos más importantes en el devenir del rhythm’n’blues y el rock’n’roll, Peacock Records, que la ficha de inmediato: entre ilustres compañeros de discográfica, como Little Richard o Johnny Ace, Big Mama Thornton se convierte en un importante enlace entre las antiguas estrellas del blues de los años 30 y los futuros iconos femeninos de la música rock, anunciando el arribo de figuras como Janis Joplin.

En paralelo, Willie Mae desbrozaba el camino hacia otro tipo de conquistas: a menudo vestida con ropa de hombre, empecinada en desafiar las categorías, gran parte de su repertorio se recreaba en la necesidad de transformar la adversidad en triunfo. A lo largo de ‘Laugh, Laugh, Laugh’, una de esas primeras grabaciones para Peacock, escupía risotadas diabólicas mientras enumeraba todo un inventario de desdichas cotidianas, pero nada resultaba tan provocador como la celebración de la diferencia apuntalada en ‘They Call Me Big Mama’: “Me llaman Big Mama / Porque peso 180 kilos / Puedo sacudirles… / Pero también bajar hasta el centro / Y alegrarte la mañana, si me llevas a casa contigo”.

Esta última canción era, en realidad, el regalo brindado por dos rendidos admiradores, que de algún modo iban a marcar su carrera futura: la pareja de compositores, judía y blanca, compuesta por Jerry Leiber y Mike Stoller. Enamorados de la música negra, los dos adolescentes habían caído rendidos ante el poderío de Big Mama en el círculo de clubes de la costa Este, y consiguieron finalmente que la cantante incorporase a su repertorio algunas piezas escritas por ambos. Entre ellas, hay tres que podemos considerar como plenamente definitorias de la electrizante personalidad de Willie Mae: la propia ‘They Call Me Big Mama’, la muy rasposa y desafiante ‘I Smell A Rat’ (“Huelo una rata, cariño / Vienes tambaleándote por el pasillo / Dándote cabezazos contra la pared / Completamente borracho / Sé que has estado corriéndote una juerga / Huelo una rata, cariño”) y la canónica ‘Hound Dog’.

Esta última, pronto convertida en uno de los más reconocibles estándares de la música rock, escenificaba un drama hecho a su medida: la historia de una mujer que, harta de ser chuleada por su amante, le echa de casa con la promesa de “no alimentarle nunca más”. La canción es una auténtica andanada: coge impulso con un bramido y una guitarra ondulante, afilada, y en apenas tres minutos termina con el protagonista masculino despedazado ante la rotunda actitud de una mujer que, poderes musicales aparte, estaba haciendo saltar por los aires las expectativas de género en la música popular de su tiempo.

A su lado, la impetuosa versión que Elvis Presley grabaría tres años después sonaba como el moliente calentón sexual de un veinteañero. Un calentón calculado y muy rentable: hábilmente, Elvis había optado por transformar por completo la grabación de Thornton, incluyendo la letra y el tempo, remodelándola hasta conseguir un número de exhibición masculina en el que el nuevo ídolo encajaba como un guante. Si bien su relectura es fantástica, y todo un modelo para adaptaciones posteriores, la legítima apropiación condenaría para siempre a Big Mama a los márgenes de la historia: a cambio del hit meteórico de Presley, ella sólo obtendría a cambio un cheque de 500 dólares y un postrero reconocimiento de culto. En definitiva, se acababa de dar de bruces con las miserias de un negocio musical cada vez más leonino, poco propenso a metabolizar los descarnados blues que radiografiaban el día a día de las mujeres afrodescendientes en la era Eisenhower.

En cualquier caso, la primera mitad de los años cincuenta supusieron para Willie Mae un período de relativa bonanza, pasando de telonera a cabeza de cartel en templos como el Apollo neoyorquino. Fue en el ecuador de la década cuando las cosas empezaron a torcerse: a medida que los esquemas del rhythm’n’blues se integraban en la pujante fórmula del rock’n’roll, la artista veía cómo su feudo comenzaba a tambalearse, frenando su entrada en un mundo que ya no era el suyo. Demasiado áspera y combativa para los gustos del nuevo público juvenil, blanco y de clase media, Thornton estaba a punto de quedarse sin contrato o banda regular, agravándose así su proverbial afición por la bebida.

Los discos en directo pertenecientes a esta etapa, que presentan a la cantante mano a mano con artistas revelación como Buddy Guy (‘In Europe’, 1966) o leyendas como Muddy Waters (‘Big Mama Thornton With The Muddy Waters Band’, 1966), constituyen de hecho panorámicas esenciales de su estilo, vibrantes y dominadas por la experiencia. Escuchadas hoy, no podemos pasar por alto la forma en que esas grabaciones estaban anunciando la llegada de otra mujer indomable, Janis Joplin, a la escena blues de la Costa Oeste. Con sus formas arrebatadas, que llevaban la dimensión trágica del blues al borde del paroxismo, Janis terminaría convirtiéndose en la más famosa legataria del estilo de Big Mama. La canción ‘Ball And Chain’, un magnético lamento sobre el amor obsesivo que Thornton había publicado originalmente en 1960, actuó como el cetro transferido de una a otra: en 1968, Joplin incluiría su archifamosa versión de diez minutos, fuertemente electrificada y cercana al exorcismo, en el álbum ‘Cheap Thrills’. De nuevo, una composición asociada a Big Mama entraba en la historia de la mano de una joven voz blanca, aunque con diferente desenlace: como autora por pleno derecho, su nombre figuraba ahora en los créditos del álbum de Janis.

big mama Big-Mama-Thornton.-Imagen-Arhoolie-Records.

Thornton vivió el auge del blues previo al rock y el revival impulsado por las bandas británicas en los sesenta, pero nunca tuvo demasiada suerte. A pesar de ello dejó dos canciones claves en la historia del rock. A principios de los 50 grabó Hound dog, el tema que más tarde lanzó a Elvis, y a mediados de la década siguiente compuso Ball and Chain, la canción que consagró a Janis Joplin. Por la grabación del tema de Lieber y Stoller recibió un cheque, por su gran éxito no cobró nada. A pesar de que Joplin siempre reconoció la autoría de Thornton, los derechos pertenecían a su antiguo sello, con quienes grabó una primera versión a principios de década que no se llegó a editar.

En Ball and Chain, Big Mama Thornton mostró todo su talento para componer, tocar y cantar en una exhibición que medio siglo después sigue desgarrando el alma de los que acuden a su música en momentos de debilidad, los que buscan esa capacidad que tenía Thornton para golpearte con un blues salvaje y luego consolarte susurrándote una balada. Ball and Chain fue su mejor tema, que más tarde dio nombre a su álbum de 1968, pero también otra zancadilla del destino. Mientras ella siguió en una segunda fila, Janis Joplin se convirtió en una gran estrella, en parte por su interpretación de Ball and Chain en el festival de Monterrey de 1967, que luego fue uno de los singles del exitoso Cheap Thrills, el último disco de Joplin con Big Brother and The Holding Company.

En los años 70, con el declive del revival blues, llegaría de nuevo el ocaso y la vuelta a los clubes de mediano aforo, donde Big Mama se aferraba al escenario rodeada de sus armónicas, sus cigarrillos y sus cócteles de leche y bourbon. Enferma y alcoholizada, uno de sus últimos chispazos prenderían sobre las tablas del San Francisco Blues Festival, en 1979, tal y como recogía la crónica del columnista Richard Cohen en la revista Living Blues: “Había estado enferma durante algún tiempo, con dificultades para vivir de su música. La ovación que recibió, con la audiencia puesta en pie, la conmovió profundamente. Con lágrimas en los ojos, agradeció al público su presencia, y a Dios el permitirle volver. Durante los siguientes 50 minutos, ofreció una de sus mejores actuaciones de los últimos años, y ‘Ball And Chain’ se convirtió en el plato fuerte no sólo de su show, sino de todo el festival. Cantó, gimió, aulló, e hizo todo lo que se puede hacer con esa canción”.

Finalmente, Big Mama moriría en Los Ángeles el 25 de julio de 1984, sola, con el único honor de un funeral celebrado por su amigo Johnny Otis, antiguo compañero de viaje y productor de ‘Hound Dog’. Ese mismo año, por su contribución al desarrollo de la música blues, se convertía en la cuarta mujer distinguida con la entrada en el Blues Hall Of Fame: la precedían Memphis Minnie, Bessie Smith y Ma Raney. Hasta 1991, con la incorporación de Billie Holiday, ninguna otra mujer figuraría entre las elegidas.

Fuentes:

http://www.jotdown.es/2016/02/haz-lo-que-big-mama-dice/

http://cultura.elpais.com/cultura/2016/01/12/actualidad/1452601623_487998.html

http://www.pikaramagazine.com/2014/09/big-mama-thornton/

Discografia:

http://www.allmusic.com/artist/big-mama-thornton-mn0000762288/discography

Jesse Fuller

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Fuller nació en Jonesboro, Georgia, cerca de Atlanta el 12 de marzo de 1896. Nunca conoció a su padre y perdió a su madre cuando tenía ocho años. Una familia local lo aceptó y creció en un entorno rural donde no la pasó bien. Se desempeñó en numerosos puestos de trabajo: en una fábrica de barriles, en una fábrica de escobas y una cantera de piedras; también trabajó en el ferrocarril y para una empresa de tranvías; lustraba zapatos y hacía esculturas de serpientes en madera talladas a mano. A la edad de diez años tocaba en la guitarra dos técnicas como él lo describió, “frailing” y “picking”, su primer instructor con el instrumento fue una mujer llamada Big Estelle. En la década de 1920 partió a buscar su suerte. Una de sus primeras paradas fue Cincinnati, consiguió trabajo en un circo y después siguió viaje al oeste. En California, instaló un puesto de hot-dog y se hizo amigo del actor y director Douglas Fairbanks, quien le consiguió un trabajo de extra en la pelicula El ladrón de Bagdad (1924). En 1929, Fuller se estableció en Oakland, en la bahía de San Francisco, donde trabajó para el Ferrocarril del Pacífico Sur durante muchos años como bombero y empleado de mantenimiento de vía. Se casó y junto a su esposa Gertrudis formaron una familia. Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como soldador en un astillero, pero cuando terminó la guerra le resultaba cada vez más difícil obtener un empleo.

Alrededor de la década de 1950, Fuller consideró la posibilidad de hacer música y presentarse en vivo. Al principio intentó formar una banda, pero desistió, como diría mas adelante “los músicos estaban demasiado ocupados, yendo de acá para allá bebiendo, apostando”. Construyó un estante que podía sostener una armónica, un kazoo y un micrófono, e inventó el fotdella, un instrumento de percusión manejado con el pie. Así nació el “Rey de las bandas de blues de una sola persona.” Fuller se convirtió en un artista callejero, actuaba por el área de la bahía. En los primeros años de 1950 grabó su primer disco, un LP de diez pulgadas llamado Trabajando en el ferrocarril con Jesse Fuller, pasó el resto de la década bajo el amaparo de pequeños sellos discográficos orientados al jazz.

La música de Fuller varió de viejas canciones de trabajo, himnos y espirituales al blues, ragtime y melodías pop. Sea cual fuera el estilo, una vez que Fuller había reorganizado su batería de instrumentos sus sonidos llevaban su propio sello inconfundible.

A diferencia de la mayoría de los músicos de blues de más edad que aparecieron en el circuito popular en la década de 1960, Fuller estaba tenía total control de su vida, su música y sus negocios. Sabía lo que estaba haciendo, y no le sorprendió cuando los jóvenes, folksingers blancos empezaron a llegar para admirar y aprender de él. Bob Dylan fue uno de los influenciados por Fuller y le rindió tributo mediante el registro de la canción “You’re No Good” en su primer álbum.

Su talento como compositor daría sus frutos, su tema San Francisco Bay Blues (que había grabado en 1955 para Arhoolie Records) interpretado por los populares Peter, Paul & Mary, en 1964, y versionado por otros muchos artistas folk, le dio fama y posibilidades de actuar en Festivales y giras. En 1966 tuvo la oportunidad de presentarse con dos bandas legendarias de rock The Rolling Stones y The Animals.

Fuller murió el 30 de enero de 1976 en Oakland, California por problemas cardíacos, tenía 79 años. Sus instrumentos musicales son conservados en un museo.

http://www.elijahwald.com/bluarch.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Jesse_Fuller

http://www.taco.com/roots/fuller.html

http://www.allmusic.com/artist/jesse-fuller-mn0000333708/discography

bluesvital Jesse-Fuller

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