Alicia Keys

Etiquetas

,

La cantante y compositora estadunidense Alicia Keys fue galardonada con el premio Embajadora de Conciencia de Amnistía Internacional en reconocimiento por sus campañas por una reforma de la justicia criminal o contra el sida, la violencia con armas y la crisis de refugiados.

El grupo defensor de derechos humanos justificó la elección de Keys, de 36 años, señalando que ha “inspirado y defendido cambios en cuestiones cruciales (…) a lo largo de su ilustre carrera”.

Keys calificó el premio como “uno de los momentos de mayor orgullo” de su vida.

Keys se mostró “determinada a reconocer la injusticia en el mundo y la injusticia de la desigualdad”, así como las “cosas que tienen que cambiar y las maneras” de hacerlo. “Nosotros, como gente cotidiana, todos nosotros, tenemos un papel que desempeñar en eso”.

El premio “me anima a continuar levantando la voz contra la injusticia y utilizar mi plataforma para llamar la atención sobre cuestiones que me importan”, dijo en un comunicado difundido por Amnistía Internacional.

También se premió al movimiento defensor de los derechos de los indígenas de Canadá con el mismo galardón, con el que reconoce la labor de “individuos y grupos que han mostrado un valor excepcional levantándose contra la injusticia y sirvieron de inspiración.”

Alicia-Keys-2

Reverend Gary Davis

Etiquetas

, ,

Durante los ’50, la búsqueda de los sonidos tradicionales del blues y el folk llevaron a la fama muchos artistas veteranos como Mississippi John Hurt y Skip James, a personajes como Furry Lewis y tesoros ocultos como Libba Cotten. Pero tal vez el más influyente de todos fue el Reverendo Gary Davis.

Este brusco viejo guitarrista evangélico tenía un estilo fascinante para tocar la guitarra, y un repertorio de canciones sagradas y seculares que se ejecutan a varios volúmenes.

Gary Davis nació en Larens South Caroline en 1896, pero poco se sabe sobre su vida temprana. Hay historias sobre sus siete hermanos que mueren antes de la edad adulta; su padre está trabajando por High Sheriff de Birmingham; su madre lo deja al cuidado de su abuela paterna; y no sé conoce si ha nacido ciego o perdió la vista en la infancia. Musico autodidacta, comenzando a muy temprana edad, se dice que a los 6 años, y para cuando tenía 20 años sus técnicas eran muy avanzadas. En cualquier caso, la Primera Guerra Mundial lo encuentra tocando la armónica en las calles de Larens, y por su forma de tocar la guitarra y el banjo, consiguió contratos en bares y fiestas. La familia se mudó a Greenville, donde Gary habría oído la guitarra de bluesmen locales Willie Walker y Sam Brooks.

A mediados de los años 20, Gary se traslada a Durham, donde el trabajo en la industria del tabaco. Allí conoció a Blind Boy Fuller que se encontraba entre los varios músicos locales que tocaban en la zona. Gary perfeccionó su técnica fingerpicking usando sólo los dedos pulgar e índice, basándose en gran medida en el trabajo de Blind Blake y Blind Lemon Jefferson, y fue considerado el mejores intérpretes de ragtime, folk y blues tradicional.
Con estas habilidades de Gary Davis, claramente influenciado por Fuller, fue llamado por éste para grabar en ARC en Nueva York. Allí participó de los registros de Fuller que se vendieron muy bien aunque una disputa económica con el productor de la compañía impidieron a Davis producir algo durante dos décadas.

En 1937, Gary fue ordenado como ministro en la iglesia Bautista y su repertorio, ya contenía muchas canciones Gospel-blues que fueron ejecutadas en la Iglesia.

En 1940 se trasladó a Nueva York, donde había un grupo de músicos de Piedmont music como Sonny Terry y Brownie McGhee y Josh White, que se radicaban el el bohemio Greenwich Village. el Reverendo Gary vivió allí durante el resto de su vida.

El renacimiento / Blues Folk de mediados de los años 50 encuentra al Reverendo Gary Davis grabando algunas pistas para Stinson Label y Riverside Label.
Moisés Asch editó un del Smithsonian en 1959 donde se registraba la aparición de Gary Davis en el Festival de Newport de 1956. Estas canciones suenan con su voz grave y su guitarra virtuosa donde se retratan sus sermonising (sermones evangélicos cantados en gospel-blues).

Produjo y editó varios álbumes de estudio seguidos con Hellfire, como ‘Death Don’t Have No Mercy’ y ‘Samson and Delilah’, y también algunos covers de Blind Willie Johnson: ‘If I Had My Way, I’d Tear That Building Down’.

Davis llegó a ser uno de los artistas más populares del folk y del blues revival. Aunque muchas de las canciones que interpretaba eran espirituales, nunca se alejaron del blues que grabó en los años 30 y su técnica de guitarra seguía intacta. Durante ese periodo se convirtió en profesor y dentro de sus alumnos presenciales se cuentan Jorma Kaukonen de Jefferson Airplane, Taj Mahal y Ry Cooder..

El Reverendo fue a encontrarse con su creador en 05 de mayo 1972.

FUENTE  Y FUENTE

Leonard Cohen, nuevo disco

Etiquetas

,

leonard-cohen

Cuando Leonard Cohen aparece se hace el silencio, sea al explicar una canción, al recitar un poema o al caminar entre periodistas, y hoy, en un encuentro con los medios en Los Ángeles a propósito de su nuevo disco, “You Want It Darker”, despejó de un plumazo aquellas voces que anuncian su final.

“Dije recientemente que estaba preparado para morir y creo que estaba exagerando (…). Tengo la intención de vivir para siempre”, afirmó hoy con ironía el legendario poeta y músico en un acto celebrado en la residencia del cónsul canadiense en la ciudad californiana.

Con su voz cavernosa, traje oscuro, camisa gris y elegancia hasta en el gesto más pequeño, Cohen, de 82 años, dedicó unas cariñosas palabras a Bob Dylan, flamante premio Nobel de Literatura y con el que comparte el lugar más alto en la admirada lista de cantautores que surgieron en los años 60.

“Para mí, (que Dylan vaya a recibir el Nobel) es como poner una medalla al monte Everest por ser la montaña más alta (del mundo)”, aseguró Cohen con rotundidad.

Pero la excusa del acto era “You Want It Darker”, su nuevo disco que se editará el 21 de octubre y que hoy pudieron escuchar los medios que asistieron al evento, entre los que figuraba Efe.

Con ocho canciones más una versión adicional del tema “Treaty”, Cohen da continuidad con este álbum a “Old Ideas” (2012) y “Popular Problems” (2014), sus trabajos de estudio en su renacimiento creativo, casi por obligación, después de saber que su representante Kelley Lynch le había estafado y dejado al borde de la ruina.

“Creo que cualquier cantautor, Bob Dylan y todos nosotros, escribe canciones de cualquier manera. Y si eres afortunado, puedes mantener el vehículo saludable y con respuesta a lo largo de los años”, dijo Cohen hoy acerca de su habilidad para mantener la calidad de su obra con el paso del tiempo.

El aroma cálido, oscuro, seductor y reflexivo de la trayectoria de Cohen resulta perfectamente reconocible en su nuevo disco. El single “You Want It Darker”, con aire de réquiem, puede recordar con su sonido a “I’m Your Man” (1988) y estremece con un verso siniestro: “Estoy preparado, mi Señor”.

No es de extrañar que muchos medios señalaran el álbum como una despedida de lujo para Cohen porque las imágenes de meditación, de echar la vista atrás y de balance espiritual son constantes a lo largo de “You Want It Darker”.

Llamas que se apagan, adioses que parecen definitivos, partidas que se terminan y fantasías e ilusiones que desaparecen son algunos de los motivos que aparecen en la boca del autor de “Hallelujah” o “So Long Marianne”.

Dentro de la sobriedad característica de Cohen, destacan algunos arreglos como los coros solemnes de “You Want It Darker”, los adornos de cuerda de “Steer Your Way”, el aire mediterráneo de “Traveling Light” o la huella del soul de “On The Level”.

Cohen tampoco olvida su exquisito romanticismo y en “If I Didn’t Have Your Love” habla de soles sin luz, noches eternas, mares secos y flores hechas de piedra que habrían tenido lugar si no se hubiera enamorado.

Asimismo, la espiritualidad tiene un peso muy notable en “Steer Your Way”, aunque Cohen evitó referirse a sí mismo como “una persona religiosa” con “una estrategia espiritual”.

“Siento que es el vocabulario con el que crecí, este paisaje bíblico es muy familiar para mí. Es natural que use esos puntos de referencia, una vez que son universales y que todo el mundo las entiende”, argumentó.

Con tono bromista y mirada juguetona y brillante durante todo el encuentro, Cohen respondió a un periodista que le cuestionaba acerca de la portada del álbum, en la que aparece con un cigarrillo cuando, supuestamente, había dejado de fumar.

“En algunos tipos simplemente no puedes confiar”, dijo divertido.

El responsable de obras maestras como “Songs of Leonard Cohen” (1967), “Songs of Love and Hate” (1971) o “I’m Your Man” (1988), contó para “You Want It Darker” con su hijo Adam Cohen como productor.

“Si eres afortunado, las cosas entre los miembros de tu familia se intensifican, y si eres desafortunado, se deterioran. Yo he sido afortunado y tengo una relación cercana con mis amigos y familiares”, apuntó el músico, que dijo sentirse “bendecido y agradecido” por el apoyo de sus hijos.

Por su parte, Adam Cohen dijo que fue “un privilegio” poder ayudar a “un artista de la magnitud” de su padre y detalló las facilidades que supone trabajar en familia.

“Realmente tengo un sentido de familiaridad de lo que mi padre odia, de años y años de oír lo que odia de la música”, apuntó, a lo que su padre respondió con una sonrisa que es “una larga lista”.

Asimismo, Leonard Cohen mostró su esperanza de que pudiera publicar en el futuro más material “orquestal” o de “spoken word”, aunque señaló sus limitaciones: “Uno nunca sabe”.

Y, como si quisiera de nuevo certificar por completo que esto no es un adiós, concluyó: “Gracias por venir, amigos. Realmente lo agradezco. Y espero que podamos hacer esto de nuevo. Tengo pensado quedarme hasta que tenga ciento veinte años”.

FUENTE

Fallece Phil Chess

Etiquetas

, ,

gettyimages-74277634_wide-c0fe984d3ef0fdae9bed525981042fa38d53d07d-s800-c85

Leonard y Phil Chess – dos hermanos emprendedores inmigrantes de Polonia – compraron Aristocrat Records en 1947. Cuando se hicieron con el sello, Leonard y Phil ya eran conscientes de qué tipo de música querían vender en la comunidad negra, la de un joven guitarrista llamado Muddy Waters, que ya había grabado para Columbia pero que nunca llegó a editar sus discos.

En 1950 el sello se convirtió en Chess Records, y, aunque los hermanos sabían que su audiencia era predominantemente afroamericana, vieron las posibilidades de comercializar aquella música a un público más amplio. Con la ayuda de Sam Phillips hicieron nuevos descubrimientos como Rufus Thomas, Howlin’ Wolf o Bo Diddley, cuyo primer single – Bo Diddley/I’m a Man– introdujo uno de los ritmos más influyentes del rock & roll.

El descubrimiento más importante fue, sin embargo, Chuck Berry, que firmó para el sello a mediados de 1955. Buddy Guy, Otis Rush, Etta James o Fontella Bass fueron nombres esenciales en el sello, orientado más al R&B en sus últimos años. En 1969, los hermanos Chess vendieron el sello discográfico a General Recorded Tape (GRT) por 7,5 millones de dólares. Leonard Chess falleció en octubre de 1969. Finalmente el legado de Chess recaló en MCA, que inició un programa de reedición importante durante los años 90.

123659

Philip “Phil” Chess nació el 27 de marzo de 1921 con el nombre de Fiszel Czyż en la comunidad judía de Częstochowa, Polonia, y falleció el 19 de octubre de 2016 en su casa de Tucson (Arizona). Fue un prestigioso productor y cofundador con su hermano de la legendaria discográfica Chess records donde grabaron grandes como Muddy Waters, Bo Diddley, Etta James o Chuck Berry, entre muchos otros. Fundada en Chicago, esta discográfica es esencial parea entender la evolución del blues, el R&B, el soul, el jazz, y el rock and roll en los años cincuenta y sesenta.

En 1928 su familia se trasladó a los Estados Unidos, donde el padre se había establecido con un negocio de licores, y adoptaron el apellido de Chess. Su hermano Lejzor, nacido el 12 de marzo de 1917 y falleció el 16 de octubre de 1969, se convirtió en Leonard y Fiszel en Philip. Tenía una hermana llamada Malka.

En 1946, tras dejar el ejército, Phil se unió a su hermano para llevar el club Macomba Lounge. Dos años más tarde, Leonard se convirtió en socio de Aristocrat records a la que se unió Phil en 1950. Cambiaron el nombre de la empresa por Chess records. El primer disco publicado fue el sencillo de 78 RPM “My Foolish Heart”/”Bless You” de Gene Ammons, en junio de 1950. En ese primer catálogo figuraban también Al Hibbler y Doc Pomus. En 1952 crearon el sello Checker Records, como alternativa para la emisión en radio. En ese época las radios tenían un número limitado de emisiones por discográfica. También crearon una subsidiaria de jazz Cadet Records y otra de rock Cadet Concept Records.

En 1969 vendieron el sello discográfico a General Recorded Tape (GRT) por 7,5 millones de dólares. Leonard Chess falleció en octubre de 1969 por problemas cardiacos. GRT trasladó el sello discográfico a Nueva York, transformándolo en una división de Janus Records. GRT vendió el resto de Chess Records a All Platinum Records en agosto de 1975. Más tarde All Platinum Records pasó por dificultades económicas y vendieron las grabaciones de Chess Records a MCA Records.

Chess records editó a grandes como Muddy Waters, Bo Diddley, “Sonny Boy Williamson”, Robert Lockwood Jr., Etta James, Willie Dixon, Howlin Wolf y Chuck Berry, entre muchos otros. Phil participó en muchas de las producciones así como Ralph Bass. Phil se retiró a Arizona en 1972. En 1995 los dos hermanos entraron a formar parte del salón de la fama del Blues. Cadillac Records es una película estadounidense dirigida por Darnell Martin en el año 2008. Cuenta la historia de la compañía discográfica norteamericana Chess Records.

Hoy Phil Chess murió a los 95 años de edad por causas naturales mientras dormía, en su casa de Tucson, Arizona.

FUENTE

Richard Bona

Etiquetas

k8c0246-editar

Vocalista, bajista, multiinstrumentista y compositor diferente, Richard Bona nació el 28 de octubre de 1967 -está a punto de cumplir 49- en Minta, pequeño poblado de Camerún central. A los cuatro años, estimulado por su madre y su abuelo, ya tocaba un balafón con grandes teclas de madera que se golpean con dos baquetas y resonadores de calabaza, oriundo de África.

De niño, Richard ya actuaba en la iglesia de Minta. Con once se trasladó con su papá a Douala, la mayor ciudad camerunesa, en el oeste del país, a orillas del golfo de Guinea, en el océano Atlántico, a ambas orillas de la desembocadura del río Wouri. Su padre murió en 1985 y, con veintidós años, partió hacia París en 1989, donde tocó con Manu Dibango, Didier Lockwood, Marc Fosset, André Ceccarelli, el cantante de Malí Salif Keita y Joe Zawinul, tecadlista de jazz y compositor austríaco. En 1995, animado por el guitarrista Mike Stern, voló a Nueva York, donde aún reside.

A la capital francesa y a Nueva York marchó sin papeles, de modo que fue un “ilegal”, situación con la que bromea diciendo que, donde quiera que vaya, su documento es el bajo. Hoy tiene ciudadanía estadounidense. “Cuando me fui a América, dije a mi hermano que volvería en un par de semanas… Estuve una larga temporada indocumentado, sin dinero, se me acababa la visa, pero igual me contrataban”, recuerda Bona.

La situación se asentó cuando Harry Belafonte lo eligió director musical de su gira europea de 1998. Desde entonces ha publicado diez discos y colaborado con una interminable lista de luminarias como Stern, Chick Corea, Bobby McFerrin, Branford Marsalis, Pat Metheny Group (2002-2005), Michael Brecker, Paul Simon, Tito Puente, Eddie Palmieri, el cubano Chucho Valdés, Larry Coryell, Joni Mitchell, Herbie Hancock, Billy Cobham… Las letras de sus canciones, que interpreta en dwala, su lengua natal perteneciente a la familia de las bantúes, aunque también lo hace en francés, portugués e inglés, narran sus propias experiencias con amplitud universal.

P: ¿Cuales fueron tus comienzos?

R: Yo crecí musicalmente con mi abuelo… En cada cosa que él tocaba, contaba una historia. No teníamos archivos musicales en África, tampoco referencia instrumental, simplemente tocábamos y la historia la contábamos con música. Si tuviera que denominarme de alguna manera, diría que soy un guardador moderno de historias. Al viajar por el mundo entero, lo más importante es aprender de las personas que son distintas a mí… Las diferencias no importan cuando la música es buena.

Antes usaba otros instrumentos, órgano en la iglesia, guitarra, percusión. Puedo hacer muchas cosas con ellos que no con el bajo, con el que empecé más tarde. El primero que toqué, fue un balafón que me había construido mi abuelo, y ya no lo tengo, se puso viejo. Ojalá lo hubiera conservado, pero tengo otros. Yo le solía decir que iba a ser el mejor músico del mundo (ríe Bona). De niño no piensas, simplemente quieres divertirte, no tienes la mente de un adulto, claro, y no te preocupas por tocar, tocas. Es un concepto que quiero mantener…

P: La gente en África tiene una relación distinta con la música, que en otras partes del mundo.

R: Sí, cuando era chico, estaba siempre presente, nada podía hacer sin ella. Había música en un nacimiento, en un bautismo o cuando alguien moría, en casamientos… En Europa, no aparece necesariamente en la iglesia por cuestiones de recogimiento, pero en mi pueblo, por ejemplo, la gente allí baila.

La música es como un lenguaje y por eso las personas tocan como hablan. Entonces hay cuestiones que vienen de un modo natural, como mi habilidad de tocar hoy cualquier género, y también de aprender con otros músicos en encuentros y colaborando con sus proyectos. Aprovecho todas esas experiencias y al juntarlas con mis raíces, eso se transforma en Richard Bona. El aprendizaje continúa, la música también… Lo bueno es que nadie puede ponerle reglas para decir que algo está equivocado, o sea que no hay errores. La música es como una escuela de la vida, cuanto más aprendes, descubres que menos sabes…Para mí, cada trabajo es un aprendizaje, trato de buscar cosas, de encontrarlas y volverlas a hallar, esa es mi actitud con la música. Cuando estudiaba, tenía muy en cuenta tal idea. Simplemente reencuentro formas, las mezclo y las vuelvo a encontrar, a reconocer. Pero siempre se escuchan mis raíces y yo aprendo de la gente más personal. La música refleja la manera de vivir de cada uno. El que abraza muchas culturas en la vida, se convierte en alguien muy culto y también muy tolerante.

P: ¿Cómo elegís los instrumentos?

R: Elegir un instrumento tiene que ver con las circunstancias de la vida, generalmente es por accidente… Los primeros son del lugar donde nací. Me enamoré del bajo cuando escuché por primera vez a Jaco Pastorius, tú sabes, hasta entonces tocaba guitarra y el bajo no me gustaba. Ahora es como mi guitarra.

P: ¿Cómo componés?

R: Componer no es difícil, toco tantos instrumentos que simplemente compongo, puedo hacerlo. Que surja la música no es complicado, puedo tanto improvisar como componer siguiendo mis habilidades. Ahora, en un disco, encontrar diez o veinte temas que juntos le den sentido y construyan el álbum, es la parte más dificultosa… Siempre me pregunto qué camino seguir en una grabación, es lo más complejo para mí. Y cuando lo encuentro, viendo que en la música actual no se tocan instrumentos reales, con tanta música electrónica y fusión, ¿por qué no regresar a lo acústico?

La esencia está en el vivo. No hay que dejarse engañar, nueve de cada diez grandes bandas, las principales estrellas de hoy graban y suelen tocar sobre pistas, una dirección muy extraña, pero para ser un gran músico hay que interpretar en directo. Cada vez que escucho la radio, todo es tan electrónico… Y esa tecnología, cuando la llevan al escenario, se muestra como una gran mentira. En estos conciertos, la gran mayoría de las veces suena playback y pregrabados. Así que decidí hacer lo opuesto a las tendencias y las modas actuales, un compacto acústico, real y humano. No armando archivos en una computadora, ni evitando los errores.

P: Cuando tocas o cantas, tus ojos vuelan. ¿Tu mente también? ¿Podrías explicar ese estado?

R: Yo veo colores cuando toco. Un acorde menor o uno mayor es un color completamente diferente. La música en mí y en mi mente, me muestra un arcoíris de colores cuando nosotros tocamos.

FUENTE

 

John Cephas

Etiquetas

,

1989johncephas
John “Bowling Green” Cephas, cantante y guitarrista del sur de Estados Unidos, tomó su apodo en la ciudad de Virginia, lugar donde era parte de audiencias góspel. Cephas, criado en una familia profundamente religiosa, creció junto a su abuelo quien vivía contando historias de los antepasados esclavos en la costa oriental. Aprendió el canto gracias a su madre quien formó varios coros de la iglesia y empujó al pequeño John a la carrera de los blues.

John Cephas practicaba el piedmont style, un estilo conocido como fingerstyle blues o de Costa Este, que se caracteriza por un enfoque fingerpicking en la guitarra, en el que de manera regular se iba alternando el dedo pulgar, que realizaba los bajos en las últimas cuerdas, y los demás dedos que entrelazaban melodías con un patrón rítmico sincopado. Su sonido viene de la emulación de un piano, instrumento que servía para las noches de “after hours” muy popular por aquellos tiempos, pero su difícil transporte de club en club, hizo a los bluesman de la época adoptar las cualidades de su sonido en la guitarra.

Este estilo se distingue de los más populares como el Mississippi, gracias a su ragtime que reduce su ritmo al estar frente a una banda de blues eléctrica. Es por eso que el piedmont es considerado anterior al country y como raíz formadora de otros estilos como el rock and roll, por su innovador estilo “saltarín”.

Como buen cultor del género, aprendió la técnica del fingerpicking a manos de su primo David Taleofero, un conocido guitarrista de Carolina del Sur. Ellos comenzaron a imitar la música ragtime de la época como Blind Boy Fuller, Blind Blake, The Rev. Guy Davis, Blind Lemon Jefferson, pero fue Tampa Red quien influenció fuertemente al guitarrista de Virginia debido a su tendencia a la evolución. Es más, luego de ser uno de los más importantes del piedmont, Tampa Red se mudó a Chicago para influir en la música de Muddy Waters y Robert Nighthawk.

Con tan sólo 9 años de edad, Cephas ya recorría los campos de algodón con la seria intención de evangelizar al resto de la población. Más tarde ingresó al ejército americano para luchar contra los coreanos en el invierno de 1951. Trabajó como cantante profesional evangélico, carpintero y pescador en el Atlántico. En la década del 60 estaba empezando a ganarse la vida con su música, pero no fue hasta los 70s, cuando el pianista Big Chief Ellis lo contrató para tocar la guitarra en su banda. Cephas aparece como sideman de Ellis en sus discos para el sello Trix.

En 1977, se asoció con la armónica asistente de Phil Wiggins después de que los dos se reunieron en el Smithsonian Folklife Festival Nacional en Washington, formando uno de los dúos más importantes del género, siendo comparados con Sonny Terry & Brownie McGhee, por la versatilidad en los tonos y ejecución de su acompañante. Desde este momento, Cephas & Wiggins comenzaron a hacer historia y fueron reconocidos por la comunidad internacional de blues como “los principales exponentes de tidewater”, blues tradicional, un sub género de mucha repercusión en Virginia (según cuentan los reportes del sello Alligator).

Ya en 1987 fueron designados como la mejor dupla blusera en los W.C Handy Awards (hoy llamados premios Blues Music, una especie de Grammy del estilo). A fines de la década, John Cephas recibió la beca del Patrimonio Nacional, que le dejaba enseñar su arte a la gente joven del sur de Estados Unidos y más tarde el “National Endowment for the Arts”, un reconocimiento a su longeva carrera por entonces. Al momento de recibir estos honores, Cephas publicó en su página web: “Más que nada, me gustaría ver un resurgimiento del país por blues en la gente… Más personas van a los conciertos, pero me gustaría verlos aprender la técnica más clásica del blues y anterior al rock and roll”.

Convertido ya en toda una leyenda del country music, Cephas grabó dos discos para el sello alemán L & R, los títulos eran “Living Country Blues” y “Sweet Bitter Blues”, pero el deseo de trabajar en forma solitaria aún era latente y junto a Flying Fish Records registró “Dog Days of August”, trabajo que lo llevó a ganar un W.C Handy por el mejor álbum de blues tradicional del año.

Pero, sin lugar a dudas, que su éxito comercial y las giras alrededor del mundo llegaron en los 90s, cuando Bruce Iglahuer lo ficha en su sello Alligator para grabar sólo un registro. Éste fue “Cold Down”, que gracias a la crítica especializada lo llevó a grabar tres discos más, donde medios como Jazz Time decían: “Cephas & Wiggins son la joya pura del país”. O Guitar Player que afirmaba que eran “muestras blues acústico, a la medida, exquisito y sincero”… eran un verdadero éxito dentro del nicho al cual representaban.

Para 2002 la sorpresa vino con “Somebody Told The Truth”. Una de sus canciones favoritas fue el single que abría el disco, “Stack and the Devil”. Sobre esto, siempre decía entre risas: “He oído algunas historias del Sr. Stack y la señorita Diablo, pero no puedo cantar mucho, porque Phil Wiggins es demasiado joven y debo protegerlo”.

Como todas unas estrellas del piedmont blues, recorrieron el mundo tocando en miles de festivales y siendo embajadores de la música americana en el festival country de Moscú. Para 1997, su fama había sido tan grande, que Bill Clinton los invitó a tocar en la Casa Blanca. Según comenta Greg Kimball, presidente de la Sociedad de River City Blues, “él habló de viajar por todos los rincones del planeta y la única parte que no había visitado fue la Antártida… gran parte del tiempo viaja bajo la mirada del Departamento de Estado, pues se preocupaban de la difusión de la influencia de su estilo de guitarra en todo el mundo. Es un legado muy sorprendente”.

Su alma descansa para siempre en los parques de Washington, donde no pararon los tributos en su memoria en el Museo de Historia Natural. Es que John Cephas era más que un simple músico de blues, era parte de todo el pueblo americano que le entregó todos los reconocimientos existentes en vida y que nunca olvidó la importancia del carismático Cephas en la enseñanza y evangelización de la música del alma.

Un tipo que vio sus tendencias enarboladas al máximo cuando escuchó la guitarra de Chuck Berry y se dio cuenta que su paso por el blues no fue casual. Uno de los últimos herederos directos de Big Bill Bronzy y Brownie McGee dijo adiós al mundo del blues, pero, desde hoy, su nombre comienza a sonar como una verdadera leyenda.

FUENTE

Barbecue Bob

Etiquetas

, ,

barbecue-bob-in-chefs-apron

Uno de los grandes guitarristas pioneros dentro del Blues fue Robert Hicks, o más conocido por su apodo Barbecue Bob, apodado así por su primer trabajo como cocinero. Fue una pieza fundamental en el Blues de Atlanta de la década de 1920.
Robert Hicks nace en el estado de Georgia un 11 de septiembre de 1902. La madre de otro de los pesos pesados del Blues Slim Gordon fue quien les enseñaría a tocar la guitarra a el, a su hermano y a su hijo. Ellos se juntan a Eddie Mapp un armonicista con lo que formarían su primer grupo. En 1925 Bob se muda a Atlanta donde trabajaría en varios oficios donde el más reconocido fue de cocinero. Fue descubierto por el cazatalentos Dan Hornby, año 1926, trabajaba en Tidwell’s Barbecue Place como cocinero y cantante. Era una sensación local, lo cual llamó fácilmente la atención de Hornby, quien luego de grabarlo comenzó a publicitarlo mediante fotografías en las cuales lo presentaba en uniforme de cocinero al lado de un asador. Esa fue la portada de su primer disco, “Barbecue Blues”, publicado en marzo de 1927. Por su voz de tenor, puede relacionarse con otros artistas locales como Blind Willie Mc Tell Después grabaría para la Columbia records. Sus primeras grabaciones serían un éxito de ventas. Robert se decantaría con la guitarra de 12 cuerdas en las grabaciones, pero en vivo sacaría la guitarra de 6 cuerdas. Según cuentan sería el Bluesman que mas llegó a vender en la década de 1920. En aquellos años se uniría a Nellie Florence, amiga desde la infancia de Robert con la que graba un single. Con la llegada de la década de los ’30 y la terrible depresión que se avecinaba en el país, empezaría a tocar folk americano y canciones religiosas, siendo siempre un guitarrista de Blues por delante de todo.
En aquellos años se une a Curley Weaver y Buddy Moss. Los tres grabarian varios registros musicales, entre los que se encuentran “Diddle-Da-Diddle “.

Cuenta con un registro de mas de 60 canciones grabadas. En 1931 su mujer muere a causa de una pulmonía, meses después,  Robert Hicks fallece un 29 de octubre de la misma forma, causada por un ataque de influeza a la edad de 29 años.

 

FUENTE  FUENTE